更新時間：2012-7-9 11:50:50
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【音響網資訊】日前，筆者在高級舞臺技術與管理培訓班接受了近兩個月的學習，可謂收獲頗豐。培訓班是在英國文化協會的支持下，由文化部文化產業司、國家大劇院、英國皇家歌劇院共同舉辦的，以培養適應文化產業發展需要的高層次、應用型舞臺技術與管理專業人才為目標。
從英國皇家歌劇院的演出實踐說起
觀眾走進劇場觀看演出，所依靠的載體是舞臺、音響以及其他重要輔助設施。可以說，舞臺是劇院的核心。世界上，但凡是運作比較成熟、藝術程度較高的劇院，大都在舞臺演出上有系統、科學的規劃與保障。現就以英國皇家歌劇院的演出實踐為例分析。
英國皇家歌劇院每天上演兩部劇作，每晚都有不同的演出可看，筆者不禁產生疑問，甚至懷疑演出的可行性。眾所周知，歌劇的舞臺大都異常復雜，別說一天演出兩部，就是每天演出一部也很難操作。但是，經過講解和現場實際觀摩，筆者的疑惑消失了。
首先，體現在舞臺的布景轉換上。為了解決歌劇演出換景的時間，英國皇家歌劇院在舞臺平面上建了同九塊演區一般大的平臺。平臺由九宮格的形式拼成，依靠蓄電池充電驅動平臺平移。每一個戲的場景都是在地下室用隔音門隔好后在地下組裝，然后升到舞臺平面。哪個戲當天演出，就把哪個戲的場景放到主舞臺上。不演的平臺則放到其他位置待用。一般情況是，先把第一天晚上演出完的場景平臺移開，然后再將第二天要演出劇目的平臺移到主舞臺上。
英國皇家歌劇院的演出場景都做的非常巧妙，經常是一景多用。所有布景都圍繞著輪換演出來設計。比如在制景方面，制景工廠都有和舞臺一樣大的制景空間。舞美設計在工廠里看效果，給拆分的景編號，稱重量。制作完成后，所有的景拉到舞臺上不用任何修改，這樣就節省了時間和資源。這與我們國內的做法不同：現在好多國內的劇場是把舞臺當成工廠用，實用性和針對性較弱。
其次，體現在演員的選擇上。歌劇和芭蕾舞的表演對主要演員的聲音和體力都有很大的挑戰，演員最多一周只能演出三場，并且不能連續演出。采取輪換演出，對演員的聲帶和體力能起到很好的保護作用，同時也能使每場演出的藝術效果達到更加完美的狀態。英國皇家歌劇院就是這樣做的，而目前國內的國家大劇院也在這一方面進行了積極的嘗試，主動與國際接軌：一般的歌劇演出都有兩組主要演員進行輪換，保證了每次演出的質量。
大制作不等于偉大制作
感受到英國皇家歌劇院科學、完備的制作、管理模式，筆者開始思索當下國內戲劇演出、制作中存在的一些問題。雖然我們現在已經擁有了世界領先的劇場建筑、劇場設施，但是我們的戲劇、歌劇創作與世界還有不小的差距。僅就舞美來看，首要的問題就是缺乏與國外的交流，這主要是創作理念、創作思維上的交流。我們的舞美過多注重在舞臺漂不漂亮、華美不華美上下功夫，追求精美、華貴、典雅、大氣，但殊不知，美并不是衡量舞臺美術的惟一標準。舞美制作的成功更主要看舞臺切換和戲劇情節之間的配合，是否與舞臺演出內容相貼切。每個舞臺場景都像是一盤“菜”。一場演出一共用幾盤“菜”？這是需要巧妙搭配的，需要舞美設計者的智慧和靈感。總之，既要有出人意料的變化，又要讓變化合情合理。
還有一個值得注意的傾向是，國內好多演出團體都標榜自己是大制作，以大制作為榮，以大制作、貴族化、景觀化為創作方向，造成燈、服、道、效、化無不奢華。然而，幾百萬的舞臺布景、道具，卻僅僅演出兩三場就草草收場，長期儲存在倉庫中。還有些舞臺設計不考慮劇場演出實際，盲目燒錢、制作，導致演出只能適合在某一固定劇場上演，很難進行巡回演出，無法取得商業效益。雖然這些演出大都得到政府財政的支持，但是卻對藝術產生了不良影響，使舞美創作陷入惡性循環的怪圈。“大制作不等于偉大制作”，英國皇家歌劇院就給我們提供了一個很好的學習范例。
英國皇家歌劇院的收入中70%是票房收入，30%是政府補貼和企業贊助。劇院的工作計劃一般會提前三年做，具體安排要復排的戲和新創作的戲的演出任務。與演員的溝通、合同也會在提前一年半的時間辦成。按常規來看，英國皇家歌劇院一年要演出25部歌劇和20部芭蕾，其中會有一定比例的新創劇目。嚴格按劇目分配成本預算進行成本測估，新排劇目要比復排劇目費用高一些。因此，劇院會把演出完畢的舞臺布景保存起來，以便進行下一次演出。如果重演時就能利用現有的舞臺背景、服裝和道具，而且只需要稍微修理維護，那么，演出就能削減成本，擴大收益。如此看來，大制作并沒有錯，與藝術成就高低也不成正比。只要能做成本回收，實現藝術審美與市場票房效益的雙贏，大制作也能帶來大收益。國外有很多為巡演演出專門做演出景的機構、部門，實際上，巡演上百場，舞臺布景的費用已經降到很低了。
近些年，在大制作之外，我們也看到一些劇目以簡潔為尚，追求空的空間，在空靈、寫意的舞臺上創造了戲劇藝術之美，顯示了戲劇創作者駕馭舞臺的能力。比如北京人民藝術劇院的《李白》、以色列卡梅爾劇院的話劇《安魂曲》、莫斯科藝術劇院的《櫻桃園》等，舞臺布景都非常簡單，裝臺時間也只需一到兩天就可以全部完成，而且在絕大多數劇場都可以完成演出，并能達到最佳的演出效果。這也為當下的舞臺創作提供了新的視角和經驗。可以預見，簡潔、寫意的舞臺觀念將成為當下和今后一個時期舞臺創作的特點和趨勢。
舞臺創作需要在橫向交流中拓展
藝術創作不是封閉的，世界藝術都是在開放、包容中向前發展、革新的，戲劇藝術也不例外。戲劇發展史上但凡有成就的編劇、導演、舞美設計都是在吸收、融合他人的藝術之長中發展自己，形成各自風格的。如布萊希特、梅耶荷德就在中國戲曲中發現了寫意性的因素，將其融入到西方的戲劇舞臺上，帶來了導演美學觀念的更新，確立了各自演劇的體系和風格。舞臺美術創造也是如此。
舞美設計既需要向歷史“尋根”，在與歷史的縱向交流中吸收精華、尋找靈感，也需要在橫向的交流中拓展自己的創作視野，提升藝術理念，創新藝術思維。目前，我們國內戲劇在這一方面還有所欠缺，缺乏與國際的交流。2006年，紐約大都會歌劇院曾邀請張藝謀及其團隊導演歌劇《秦始皇》。眾所周知，大都會歌劇院是美國如今最大、最有影響力的歌劇院，也是最能吸引全球藝術家的劇院之一，伯恩斯坦、卡拉揚、梅塔和斯托科夫斯基等指揮大師都在這里指揮過。邀請張藝謀加盟，可以看作中國藝術家走出國門執導戲劇創作零的突破。從這里我們也能看出國外知名院團演出的運營理念。他們邀請國際知名導演、設計團隊為本劇團制作劇目，一方面在宣傳上擴大了影響，另一方面，更為主要的是給表導演、舞美設計提供了一個交流平臺，提供了一個藝術上相互學習、碰撞的空間。反觀國內，目前這種交流還是比較缺乏的。國家大劇院在這方面走在了前列。就目前排演的歌劇看，從《弄臣》到《托斯卡》、《漂泊的荷蘭人》都是邀請國外原創團隊加盟，以提升自己的創作水平。在邀請外國劇目上，也是以國際知名院團為主。這是一個好的開始，可以帶動中國舞臺方面的交流發展。
此外，我們也要認清中國戲劇，尤其是舞美在世界范圍內的位置。我們的藝術觀念、對舞美的認識與世界存在距離，在創作理念上與國際發展潮流也是隔絕的。每四年一屆的布拉格國際舞臺美術展是國際上有影響力的舞臺美術展，體現了各個時期世界舞臺美術的最高水平和藝術趨勢，相當于舞美行業的“奧運會”。從上世紀80年代，我們就派出代表團參加展覽，但是迄今為止，沒有拿到過一個國家獎、單項獎。這是值得國內同仁們反思的問題。
戲劇創作、舞美創造要有開闊的視野，不能閉門造車，不能只局限于一個小圈子內，一味低頭創作、設計，而要眼觀六路、耳聽八方，多學習、借鑒外面世界的發展趨勢和同行的創作、設計動態，這樣才能提高自己。國外的舞美設計，有可能就是藝術設計，西方藝術史上很多知名畫家都有舞美或布景設計的經歷，都有舞臺情結，一個成功的舞美設計師甚至本身就是當代藝術的推動者。
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